Рок-группы и симфонические оркестры играют вместе уже более 70 лет. Исследуя родословную рок-н-ролла, можно обнаружить два наследия на стволе генеалогического древа: блюз и классическую музыку. В то время как первый остается актуальным в риффах рок и метал исполнителей, последний часто отходит на задний план, отчасти из-за огромного количества бантов на ботинках композиторов 19-го века. Но размах и драматизм классики глубоко важны для хорошего рока, придавая ему кинематографическое качество, которое согревает сердца слушателей и заставляет их чувствовать, что они находятся в эпическом поиске, который является их повседневной жизнью.
На протяжении многих лет много групп пыталась восстановить классическое прошлое рока, объединяясь с композиторами и оркестрами или привлекая их в свои ряды. Иногда это кажется долгим и нелепым, но часто приносит удивительно вкусные плоды.
Исполнилось более полвека с момента выхода “Days Of Future Passed” – самого первого в истории рок-альбома, получившего форму симфонии. Подобные работы за минувшие полвека стали делом почти привычным, и все же многие из них способны радовать и удивлять даже взыскательных меломанов
The Moody Blues – “Days Of Future Passed”
1967
Согласно легенде, история первого из череды оркестровых рок-альбомов, который вышел 55 лет назад, началась в сентябре 1967 года, когда активно гастролирующую группу белого ритм-энд-блюза якобы попросили записать свою версию «Симфонии номер 9» Антонина Дворжака, дабы продемонстрировать возможности звукозаписывающей техники нового лейбла Deram Records. Группа согласилась, но вместо записи классики решила сосредоточиться на собственном альбоме, основой которого послужило их тогдашнее концертное шоу.
Работавший над альбомом звукоинженер Дерек Варналс (Derek Varnalis), впрочем, утверждает, что это всего лишь слухи: к тому моменту лейбл уже выпустил как минимум шесть пластинок с оркестром, в случае же с Moody Blues “Decca Records” всего лишь попыталась подстегнуть интерес к своему новому подразделению, совместив звучание поп-группы и оркестра после ошеломляющего успеха “Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band” (The Beatles). Тем удивительнее, что именно этот альбом заложил фундамент будущего арт-рокового звучания группы, и именно на нем впервые прозвучал их главный хит. “Nights In White Satin” была написана Джастином Хейвордом (Justin Hayward) за пару лет до записи: поводом для нее стали полученные им в подарок сатиновые простыни. Еще несколько песен, включая второй хит пластинки ”Tuesday Afternoon”, также были написаны задолго до записи, и группе лишь оставалось соединить все это в единое целое, получив не только один из самых ярких оркестровых альбомов, но и одно из первых по-настоящему концептуальных полотен.
The Nice – “Five Bridges”
1970
10 октября 1969 года на Фестивале искусств в Ньюкасле состоялась премьера симфонической работы Кита Эмерсона (Keith Emerson) “Five Bridges”, прозвучавшей в исполнении оркестра под управлением Джозефа Эгера (Joseph Egera). Название «Пять мостов» пятичастная сюита получила по числу мостов в городе, где состоялась премьера, а на стиль ее оказала влияние не только классическая музыка, но и вполне конкретный исполнитель – австрийский пианист Фридрих Гульда, вплетавший в строго классическую форму джазовые элементы . На вторую сторону пластинки, вышедшей по итогам выступления, попали еще два произведения, записанных с оркестром Эгера - сюита «Карелия» Яна Сибелиуса (Jan Sibelius) и часть «Патетической симфонии» Чайковского, где оркестр играет в классическом стиле на фоне роковой ритм-секции и фирменных органных пассажей Эмерсона. А еще один номер на этой пластинке представляет собой смесь песни "Country Pie" Боба Дилана (Bob Dylan) с шестым Бранденбургским концертом Баха. Все это, увы, дало не совсем тот результат, на который рассчитывала группа: критики оценили сюиту как посредственную, однако поклонники считают ее вершиной творчества прямых предшественников Emerson, Lake and Palmer. К тому же, кто знает, не будь этой и других попыток Эмерсона «поженить» классическую и современную музыку, может быть, не было бы и куда более известных «Картинок с выставки» (Pictures from the exhibition)?
Deep Purple – “Concerto For Group And Orchestra”
1970
«Эта идея меня осенила, когда я играл в The Artwoods, - вспоминает автор самого амбициозного на тот момент проекта группы Джон Лорд (John Lord). – В то время я был под впечатлением от пластинки с названием “Bernstein Plays Brubeck Plays Bernstein”. Это была музыка, специально написанная для оркестра и джазового квартета. Звучала она очень интересно, и я спросил себя – разве не оригинальнее звучала бы рок-группа, играющая совместно с симфоническим оркестром?». Чтобы представить сюиту публике, менеджер Тони Эдвардс (Tony Edwards) обеспечил рекламу в прессе и за несколько месяцев договорился о концерте в лондонском Royal Albert Hall, причем Лорд узнал об этом последним.
«Одно дело – планы, совсем другое – выступление в таком авторитетном зале: фиаско обозначало бы не только крах моей индивидуальной карьеры, но и рок-группы, которая выступала бы со мной. А планировал я, понятное дело, играть с Deep Purple. И не было другого выхода, кроме как взяться за работу. Работал я в июле-августе, чаще всего после концертов, с поздней ночи до утра. А от сна меня спасал большой стакан крепкого кофе», - вспоминал Лорд.
Не меньшим потрясением этот проект стал и для оркестрантов: когда за несколько дней до концерта все собрались на совместную репетицию, одна из виолончелисток заявила, что заканчивала консерваторию не для того, чтоб в таком достойном зале играть с какими-то последователями The Beatles. Впрочем, после репетиции девушка извинилась, сказав, что этот эксперимент ей понравился. Еще одна проблема возникла с Иэном Гилланом (Ian Gillan), который должен был написать слова к лордовскому произведению.
«Своевременно тексты я почему-то не подготовил, - вспоминает Иэн, - на пробах с моим участием я что-то там мурлыкал себе под нос, и даже никто не заметил, что я пел какую-то ерунду. И лишь за два часа до выступления, когда мы сидели в кафе, Джон спросил: «Иэн, признайся, у тебя же есть текст?». В итоге безалаберный рокер написал слова на салфетке прямо в кафе, а на концерте пел, глядя на лист бумаги, прикрепленный к полу.
Сам же концерт, состоявшийся 24 сентября 1969 года, не обошелся без накладок: группа играла громче, чем оркестр, а Блэкмор растянул полутораминутное соло до невообразимой длины. Тем не менее по окончании выступления публика устроила овацию, а оркестранты, на репетициях явно пренебрегавшие «бандой длинноволосых хиппи», с явным энтузиазмом сыграли на бис весь третий акт. Отзывы в прессе также были разноречивы: если Крис Уэлш (Chris Welsh) из Melody Maker назвал концерт «смелой и революционной пьесой», то британский обозреватель классической музыки Ноэль Гудвин (Noel Goodwin) рекомендовал союзу классической и популярной музыки «развод по взаимному согласию». А знаменитый ди-джей Джон Пил (John Peel) назвал концерт «ужасным», так что отказался приглашать группу на свое вечернее шоу. Как бы там ни было, концерт стал этапным и для группы и для всей популярной музыки в целом.
Procol Harum – “Live: In Concert with the Edmonton Symphony Orchestra”
1972
Хит-сингл Procol Harum “A Whiter Shade Of Pale”, основанный на одном из произведений Баха, стал таким же символом 1967 года, как и вышеупомянутый “Sgt. Pepper”, поэтому неудивительно, что идея записи с оркестром рано или поздно должна была прийти им в голову. И надо сказать, что это случилось «рано»: этот концертный альбом стал первым в истории рок-музыки диском, на котором группа исполняла вместе с оркестром не чужие произведения или специально написанные для этого композиции, а свои собственные, уже известные слушателям рок-номера. В этом смысле Procol Harum, сами того не подозревая, создали настоящий прообраз множества аналогичных рок-оркестровых опусов, которые последовали (и с пугающей периодичностью продолжают следовать) от групп, решивших с комфортом почить на собственных лаврах.
Первоначально предложение записаться с Эдмонтонским оркестром поступило в августе 1971 года, но уход гитариста Робина Трауэра (Robin Trower) и необходимость работы над полноценными оркестровками заставило лидера группы Гэри Брукера (Gary Brooker) отложить проект. А когда время пришло, многое пришлось делать в последний момент: договоренность о записи выступления лейблом A&M Records была достигнута всего за неделю до концерта, а оркестровку для песни "Conquistador" пришлось сочинять в самолете по пути из Англии, так что у оркестра даже не оказалось времени на репетицию. Тем не менее хит-синглом стала именно эта вещь, исполненная едва ли не с листа и протолкнувшая сингл на 16 место американских чартов, а сам альбом - в пятерку лучших в той же Америке.
Jethro Tull – “A Classic Case: The London Symphony Orchestra Plays the Music of Jethro Tull”
1985
Восьмидесятые были не самым удачным временем в карьере Jethro Tull, хотя бы потому, что именно тогда одна из самых известных и популярных групп арт-рока окончательно превратилась в аккомпанирующий состав ее лидера Иэна Андерсона (Ian Anderson). Тем не менее у группы в запасе еще имелось кое-что, чем можно было удивить фанатов, свидетельством чему стал этот альбом, записанный с Лондонским симфоническим оркестром: от прочих проектов типа «оркестр играет классику рока» он отличается тем, что в записи его приняли участие сам Андерсон, бессменный гитарист Мартин Барр (Martin Barr), а также члены нового состава группы - бас-гитарист Дэйв Пегг (Dave Pegg) и клавишник Питер-Джон Виттез (Peter-John Wittez). Рок-гимны “Aqualung” или “Locomotive Breath”, уже не говоря о более «классичных» пьесах вроде “Bouree” звучат настолько гармонично, будто всегда существовали в этой обработке: аранжировки для проекта сделал еще один участник классического состава, клавишник Дэвид Палмер (David Palmer). В США альбом занял 93-ю строчку в чартах - слабый результат для группы, но вполне неплохой - для того, что по сути являлось сборником оркестровых ремейков.
Metallica – “S&M”
1999
Разговоры о том, что патриархи трэш-музыки хотят записать альбом с оркестром, возникли в начале 1999 года как своеобразный вызов рутине записей и гастролей: в качестве аранжировщика и дирижера в проект был приглашен Майкл Кеймен (Michael Kamen), работавший над незабвенной “Nothing Else Matters”. «Мы знаем, что они умеют играть, а они знают, что мы умеем играть. Надо только правильно рассчитать громкость звучания друг друга», - говорил в интервью бас-гитарист Джейсон Ньюстед (Jason Newstead).
Концерты с оркестром Сан–Франциско, положенные в основу вышедшего двойного альбома и DVD, состоялись 21 и 22 апреля того же 1999 года: несмотря на то, что некоторые аранжировки, по мнению критики, были сделаны словно впопыхах, альбом продавался очень неплохо, а композиция “The Call of Ktulu” выиграла «Грэмми» в номинации «Лучшее инструментальное рок-исполнение».
«Знаете, по поводу этой штуки с оркестром… так круто вышло отчасти потому, что этого не было слишком много. Нет смысла делать сто таких концертов, - говорил Ларс Ульрих (Lars Ulrich) в интервью MTV. - Я еще никогда не был так собран на сцене: очень хотелось с блеском выдержать нашу часть исполнения, не испортить его и не подвести команду. Наверно, слажать в группе из четырех человек — это одно. А вот подвести сто восемь человек — это другое… Вот что я помню о тех двух концертах: абсолютная концентрация на своей игре, никаких посторонних мыслей об освещении или хорошенькой девушке в третьем ряду. Это сущая правда».
Scorpions – “Moment Of Glory”
2000
Вслед за Metallica к оркестровым альбомам потянулись и другие хард-рокеры, для которых работа такого рода стала чем-то вроде попытки доказать, что и тяжелый рок может звучать респектабельно. Не избежали этой участи и Scorpions, выступившие 11 ноября 1999 года перед Бранденбургскими воротами на празднике к десятилетию объединения Германии. Разумеется, кульминацией выступления стала знаменитая “Wind of Change”, исполненная 166 виолончелистами во главе со Мстиславом Ростроповичем.
Выступление так воодушевило рокеров, что для следующего проекта они пригласили к сотрудничеству Берлинский филармонический оркестр, а для нужного торжественного настроя арендовали студию в Вене. Помимо фирменных баллад, в программу вошел ремейк хита “Rock You Like A Hurricane”, названный “Hurricane 2000” и прозвучавший едва ли не экспрессивнее оригинала, и красивая кавер-версия песни Дайаны Уоррен (Diane Warren) “Here In My Heart”. А заглавная композиция была написана специально к выставке “EXPO 2000”, которая проходила на родине Scorpions в Ганновере. Еще одним примечательным номером стала инструментальная версия хита “Crossfire”, вступлением к которому стали «Подмосковные вечера». В германских чартах альбом попал на третье место, «засветившись» также в хит-парадах Португалии, Франции, Швейцарии и неравнодушной к хард-року Японии. В последнем случае, впрочем, диск попал лишь на сотое место - но кто сказал, что качество работы определяется в первую очередь местами в хит-парадах?
Kiss – “Symphony: Alive IV”
2003
Первоначально группа хотела выпустить четвертый концертный альбом в более традиционном виде и в классическом составе, однако проблемы с лейблами привели к тому, что запись была положена на полку, зато сама группа успела запрыгнуть на подножку уходящего поезда моды. 28 февраля в Мельбурне состоялся концерт, в первом отделении которого группа исполнила 6 песен традиционным рок-составом, а затем пригласила на сцену симфонический ансамбль Мельбурна, продолжив шоу такими хитами, как “Beth” и “Sure Know Something”. С каждым актом уровень накала повышался, пока не достиг апогея в третьем отделении с полноценным симфоническим оркестром: погоды не испортило даже то, что гитаристом на этом шоу вместо ушедшего ветерана Эйса Фрили (Ace Friel) стал Томми Тайер (Tommy Thayer), ранее подвизавшийся в кавер-группах. Для пущей эффектности музыкантов оркестра размалевали под участников Kiss: впрочем, ни на игре первых, ни на качестве шоу вторых это не сказалось. И это один из тех концертов, смотреть которые не менее увлекательно, нежели слушать – ведь именно качеством живых выступлений всегда славились эти четыре человека в гриме.
CRADLE OF FILTH & The Budapest Film Orchestra
2003
Для своего дебюта на крупном лейбле металлисты Cradle Of Filth решили вывести свое "симфоническое" обозначение на совершенно новый уровень. Альбом Damnation and a Day (2003) был записан с помощью оркестра и хора из Будапешта, который придают огромное значение повествованию концептуального альбома, следующего за рассказом Джона Мильтона о потерянном рае. Эффект сразу же слышен, причем Damnation звучит не так, как готический блэк-метал альбом, а скорее как широкая, кинематографическая дань влиянию группы на жанр блэк-метала в целом.
Би-2 & Prague Metropolitan - Symphonic Orchestra
2013
Оркестр придал особый колорит и группе Би-2. Уже не первый год группа радует слушателей своей коллаборацией с дирижёром Феликсом Арановским, аранжировщиками Сергеем Гавриловым и Геннадием Корниловым и музыкантами симфонического оркестра. Их живое выступление надолго запоминается публике.
Ария – "Классическая Ария"
2016
Не обошла вниманием новую моду и главная тяжелая группа страны: в 2001 году коллектив стал хедлайнером фестиваля «Нашествие», где представил концертную программу с симфоническим оркестром «Глобалис» под управлением Константина Кримца. Выступление оказалось настолько удачным, что в 2002 году музыканты отправились в симфонический тур, а 29 ноября 2015 года в московском Crocus City Hall в рамках фестиваля «Ария Фест» был сыгран ещё один концерт с «Глобалисом», которым на этот раз дирижировал шведский дирижер Ульф Ваденбрандт (Ulf Wadenbrandt): этот концерт и стал основой для вышедшего впоследствии альбома.
Интересно, что на записи обращает на себя внимание не столько собственно оркестр, оказавшийся в тени фирменного тяжелого звучания группы, сколько уверенное пение Михаила Житнякова, сменившего Валерия Кипелова и Артура Беркута на посту вокалиста. Само собой, настоящие фаны признают только одного настоящего вокалиста «Арии», да и смена такого рода никогда не бывает безболезненной, но это тот случай, когда группа наконец-то вытащила счастливый билет. И, что самое важное, касается это не только новых песен, но и тех, что знакомы каждому истинному «арийцу».
The Cranberries - “Something Else”
2017
На втором десятке нового века иной раз кажется, что звезды века минувшего негласно следуют выведенному кем-то рецепту: если налицо творческий кризис – готовь альбом ремейков или каверов. На первый взгляд по тому же пути решили пойти и воссоединившиеся The Cranberries, на первом за пять лет альбоме которых насчитывается всего три новые песни, все прочее - версии старых хитов в сопровождении Ирландского камерного оркестра. Впрочем, голос Долорес О’Риордан (Dolores O'Riordan) все так же чарующ, а сама группа хоть и вышла в люди в эпоху гранжа, всегда отличалась прежде всего мелодичностью, корни которой - в ирландской народной музыке. И если большинство представленных в этом обзоре пластинок - своего рода дуэль между роком и классикой, то The Cranberries часто позволяют себе раствориться в звучании оркестра и позволить поклонникам не только услышать любимые песни в необычном варианте, но и вслушаться и оценить тексты, часто теряющиеся в привычном гитарном окружении.
KATATONIA & The Plovdiv Philharmonic Orchestra
2017
В 2017 году шведская дум-метал группа Katatonia отпраздновала 10-летие своего альбома The Great Cold Distance точно так же, как это сделала бы любая группа: исполнив все это вживую в болгарском амфитеатре с полным оркестром. Хотя звучание группы немного кинетично для средней симфонии, Пловдивский филармонический оркестр взялся за эту задачу, добавив красивые медные и струнные акценты повсюду. Katatonia выпустила это выступление в качестве живого альбома, дав фанатам адскую награду за десятилетие благодарности.
Evanescence - “Synthesis”
2017
В ноябре 2017 года Evanescence выпустили альбом Synthesis, в который вошли песни с прошлых релизов группы в оркестровой обработке. В поддержку пластинки группа дала 81 концерт в странах Северной Америки, Европы и в Австралии. При поддержке Eventation два из них прошли и в России – в Москве и Санкт-Петербурге в марте 2018 года.
Свежие комментарии