Это последний выпуск лучших синтезаторных мелодий часть 1 здесь , часть 2 здесь , часть 3 здесь
10 Pet Shop Boys - West End Girls
Становление Pet Shop Boys было в основном ничем не примечательной историей - журналист-шлягер встречает студента-архитектора, покупающего синтезатор (Korg MS-10) в магазине hi-fi. С другой стороны, история о том, как появился их хитовый сингл West End Girls, немного более. .. запутанная.
Сингл был записан и выпущен не один раз, а дважды, и обе версии были успешными, одна как андеграундный клуб 12”, другая как мировой хит.
В начале Pet Shop Boys Нил Теннант и Крис Лоу работали (Neil Tennant and Chris Lowe) со знаменитым американским продюсером Hi-NRG Бобби О (Bobby Orlando), с которым они записали дюжину мелодий, в том числе West End Girls. В начальной версии мелодии вы можете услышать, как Орландо играет почти каждую партию, за исключением басовой партии и одного аккорда, оба из которых были предоставлены Лоу (Lowe).
Выпущенная в 1984 году, эта сравнительно урезанная, минимальная версия мелодии стала хитом у диджеев в Сан-Франциско и Лос-Анджелесе и попала в европейские чарты.
В конце концов, дуэт разорвал контракт с Orlando и подписал контракт с EMI, для которой они перезаписали песню со Стивеном Хейгом (Stephen Hague) в роли продюсера.
На этот раз они записали свой синтипоп/хип-хоп мэшап в лондонской студии Advision Studios, используя там 24-трековую деку и консоль SSL.
Начинаясь (без каламбура) с мгновенно узнаваемой драм-машины Oberheim DMX и многослойных струнных сэмплов как из E-mu Emulator I, так и из Emulator II, тщательно запрограммированные ритм-партии сопровождаются мощной аналоговой басовой линией.
Воспроизведенный - без секвенирования - Лоу, кажущийся простым басовый звук был создан с помощью Roland Jupiter-6, наложенного через MIDI на ударный патч Yamaha DX7, воспроизводимый в нижних регистрах. Также есть эмулятор бас-барабана, который воспроизводится хроматически вместе с остальными.
Этот многослойный бас продвигает мелодию от начала до конца, создавая идеальную основу для непринужденной лирики.
На этот раз песня стала мировым хитом, поднявшись на вершину чартов США и Великобритании.
9 Kraftwerk - The Model
Мы не сомневаемся, что мало кто из пользователей MusicRadar не знаком с названием Kraftwerk.
Более того, было бы довольно безопасно предположить, что у большинства из вас уже есть представление о том, как они звучали.
Тем не менее, может показаться неожиданным узнать, что элегантно одетые пионеры синтипопа достигли своего фирменного звучания только после многих лет эволюции.
Действительно, когда в 1970 году основатели группы Ральф Хюттер и Флориан Шнайдер (Ralf Hütter and Florian Schneider) образовали группу, синтезатора не было и в помине!
На самом деле, первые два (одноименных) альбома Kraftwerk Пластинки прочно укоренились в экспериментальном стиле "Краутрок", который был популярен во времена их образования. Синтезаторы войдут в игру на третьем альбоме, Ralf und Florian, на котором появятся как Minimoog, так и EMS Synthi AKS.
Все еще укорененные в немецкой психоделии, Ральф и Флориан, тем не менее, увидели первые пробные шаги дюссельдорфского дуэта в электронной атмосфере и минимализме.
Даже прорыв группы, альбом Autobahn 1974 года, сохранил такие традиционные инструменты, как гитара, флейта и скрипка, и, хотя сейчас Autobahn считается оригинальным электронным альбомом, он также содержит элементы атмосферы и космической музыки.
Тем не менее, повторяющиеся ритмы заглавного трека были вкусом грядущего. К моменту выхода The Man-Machine в 1978 году трансформация была завершена - Kraftwerk посвятили себя созданию своего фирменного бренда электронной поп-музыки.
Это оригинальное синти-поп звучание лучше всего иллюстрировала модель. Недооцененная во время своего выпуска, модель с запозданием обрела популярность в 1981 году, когда была переиздана в качестве би-сайда к тогдашнему синглу группы Computer Love. Переизданная как A-side, модель возглавила UK singles chart в 1982 году.
Упражнение в минимализме, модель представляет собой почти идеальную поп-конструкцию с простой прогрессией, щадящей перкуссией и практически мгновенно запоминающейся мелодией, играемой в октавах повсюду.
8 a-ha - Take On Me
Помните детскую книжку о маленьком паровозике, который никак не мог подняться на этот холм? a-ha, должно быть, приняли близко к сердцу свою историю о настойчивости, поскольку их фирменный хит прошел через множество групп, названий, редакций и релизов, прежде чем, наконец, стал одной из самых запоминающихся мелодий 1980-х.
Pre-a-ha, гитарист Пал Ваактаар (Päl Waaktaar) и клавишник Магне Фурухолмен (Magne Furuholmen) создали группу Bridges, с которой они написали песню Panorama, ставшую Miss Eerie, и в ней содержался знакомый синтезаторный рифф.
После того, как Bridges распались, они объединили усилия с певцом Мортеном Харкетом (Morten Harket) в качестве a-ha и вместе записали версию Miss Eerie, которая теперь переименована в Lesson One. Эта новая версия будет снова переименована в Take On Me.
Новая группа записала демо-версию мелодии, перезаписала ее с продюсером Джоном Рэтклиффом (John Ratcliffe) и в конце концов подписала контракт с Warner Bros UK. После неудовлетворительного микширования от продюсера Тони Мэнсфилда (Tony Mansfield) песня была еще раз ремикширована и, наконец, выпущена для незаинтересованной публики, достигнув 137 места в UK singles chart.
В этот момент Warner Brothers America предложила профинансировать еще одну версию. Эта последняя попытка была построена вокруг ритма LinnDrum, баса DX7 и волны PPG (открывается в новой вкладке). Основной рифф был сыгран на Roland Juno-60 и удвоен другим синтезатором - возможно, DX7.
WB America выпустила эту последнюю версию вместе с музыкальным видео выступления группы… только для того, чтобы встретить такое же безразличие.
На данный момент все вовлеченные в это дело здравомыслящие люди должны были сократить свои потери. Однако продюсер Алан Тарни (Alan Tarney) еще раз просмотрел песню, и режиссеру Стиву Бэррону (Steve Barron) было поручено снять новое инновационное видео. Остальное, как говорится...
7 Eurythmics - Sweet Dreams (Are Made Of This)
Хитовый сингл Eurythmics, казалось, появился из ниоткуда, но путь к успеху был долгим и трудным для дуэта Энни Леннокс и Дэйва Стюарта (Annie Lennox and Dave Stewart).
Познакомившись в 1975 году, пара сначала играла вместе как участники The Catch, панк-группы, которая со временем превратилась в поп-группу новой волны The Tourists, состоящую из пяти человек, с которыми они записали три пластинки.
Несмотря на некоторый успех, напряженность внутри группы и художественные ограничения группы оставили Стюарта и Леннокса (Stewart and Lennox) неудовлетворенными и полными решимости продолжать работать как дуэт, привлекая различных соавторов по мере необходимости.
Называя себя Eurythmics, они дебютировали с In the Garden, записанным с Конни Планк (Conny Plank) в 1981 году. Среди авторов пластинки - Хольгер Чукай (Holger Czukay) из Can и Яки Либцайт (Jaki Liebzeit), Роберт Герл (Robert Görl) из D.A.F. и Клем Берк (Clem Burke) из Blondie.
Гибрид электроники, пост-панка и краутрока, этот довольно прекрасный дебют был практически не замечен, что заставило Леннокса и Стюарта пересмотреть свой подход. Они решили сохранить название, но действовать в одиночку.
Таким образом, "Сладкие сны" (сделаны из этого) по необходимости являются упражнением в сдержанности. После коммерческого разочарования их предыдущего альбома дуэт изолировал себя в небольшой проектной студии, которую они оборудовали с помощью банковского кредита. Там они трудились с горсткой подержанных синтезаторов, 8-дорожечным рекордером и единственным микрофоном.
Построен вокруг ритм-кровати, созданной с помощью недавно приобретенного ими ударного компьютера Movement Systems, приобретенного за счет еще одного кредита Sweet Dreams... он построен на простой басовой последовательности из Roland SH-101, над которой Леннокс был вдохновлен сыграть другую партию на заимствованном Oberheim OB-X.
Последний начинался как патч для стандартных струн, доработанный для более быстрой атаки. Эти звуки воспроизводятся в финальном миксе. Именно сочетание этих двух звуков формирует запоминающийся рифф, слышимый на протяжении всей мелодии.
6 Pink Floyd - Shine On You Crazy Diamond
Классические рокеры Pink Floyd поставили перед собой задачу использовать новейшие технологии своего времени. От тщательно продуманных систем объемного звучания до экспериментального освещения сцены - группа была одержима желанием предоставить своей аудитории новые впечатления.
Эта одержимость передовыми технологиями практически гарантировала им место в авангарде электронных рокеров. Их первые эксперименты с EMS Synthis на их знаковом альбоме The Dark Side of the Moon, с его электронной витриной в бегах, только намекали на то, что должно было произойти.
Когда они вернулись на Abbey Road для продолжения в 75-м, клавишник группы взял с собой струнный ансамбль Minimoog и ARP, чтобы дополнить любимый EMS Synthis группы.
Примерно к этому времени группа - и клавишник Рик Райт (Rick Wright) в частности - развили роль синтезатора далеко за пределы откровенно футуристических, даже бестолковых звуков, предпочитаемых многими артистами того времени. Вместо этого электроника стала полностью интегрированной и вплетенной в звуковые гобелены The Floyd. Границы между акустическими, электрическими и синтетическими звуками были менее четкими.
Действительно, этот новый альбом - Wish You Were Here - продемонстрировал исключительную зрелость в использовании синтезатора. Здесь на первом месте были ноты, а не звуковые эффекты.
И все же звуки были совершенно замечательными - тона и текстуры, которые со временем неизгладимо войдут в лексикон рок-музыки.
Каждый трек на Wish You Were Here - классика, но не более, чем Shine On You Crazy Diamond, амбициозная девятисерийная эпопея, посвященная бывшему фронтмену группы Сиду Барретту (Syd Barrett) и вдохновленная им.
Многосегментный, многослойный шедевр Shine On You Crazy Diamond показывает выступление группы на пике своего развития, и не в последнюю очередь мистера Райта, чья клавишная игра на этом треке широко считается одной из его лучших работ. Его тоскующий, слегка задумчивый пассаж Minimoog в стиле медных духовых инструментов в третьей части песни - не что иное, как совершенство. Сделано со вкусом и красиво.
5 Jean-Michel Jarre - Oxygene IV
Как и в случае с другими записями в нашем списке, мы можем понять влияние Oxygene IV, только изучив эпоху, в которую он был выпущен. К 1976 году синтезатор проник в мейнстрим.
Заимствованные и интегрированные известными рок- и поп-музыкантами, звуки, некогда ассоциировавшиеся с авангардом, теперь были разбросаны среди электрогитар, электропиано, рожков и струнных, которые составляли основу большинства хитовых записей того времени.
И все же полностью электронный альбом был большой редкостью. Такие космические группы, как Tangerine Dream и Клаус Шульце (Klaus Schulze), возглавляли чарты с влиятельными синтетическими шедеврами, как и классик Moog Исао Томита (Isao Tomita), но их творчество вряд ли можно было считать мейнстримом. Конечно, их пластинки были любимы “the heads", но никто не насвистывал "Mysterious Semblance at the Strand of Nightmares” по пути в магазин на углу!
Жан-Мишель Жарр (Jean-Michel Jarre) изменил все это с помощью Oxygene IV. Как и остальная часть Oxygene LP, Oxygene IV был записан дома, на кухне Джарре (Jarre). Было использовано несколько инструментов, в том числе EMS VCS3, органно-струнная машина Eminent 310, синтезатор гармоник RMI и ARP 2600.
Эти инструменты были тщательно наложены и наложены на восьмидорожечный магнитофон. Большая часть обработки была выполнена в виде ленточного эха и гитарных педалей.
В то время как временами эмбиентный – даже психоделический – отличительным качеством Oxygene является его мелодичность. Жарре - мастер мелодии и аранжировки. Oxygene IV - это немного загадочный, но полностью оптимистичный продукт.
Маловероятный хит, Oxygene IV поднялся на 4-ю строчку в британском чарте синглов и, возможно, является самой узнаваемой композицией Жарра. Как сингл, так и пластинка, с которой он был взят, произвели неизгладимое впечатление на поколения будущих электронных музыкантов.
Сегодня некогда необычный подход Жарре – одинокий артист, сочиняющий и записывающий музыку дома с помощью нескольких электронных инструментов, – стал обычным явлением, и для нас это было так же легко, как и для Жарре.
4 Van Halen - Jump
Сегодня это кажется довольно трудным представить, но когда-то было время, когда синтезаторы были анафемой для знатоков рок-н-ролла. Тем не менее, это был именно тот случай, когда легенды хард-рока Van Halen выпустили Jump в конце 1983 года.
Чтобы понять его влияние, нужно рассмотреть эпоху, в которую он был выпущен. Это было время, когда хард-рок и хэви-метал группы скрывали своих синтезаторов от глаз зрителей. Синтезаторы рассматривались как "попсовые" инструменты, предпочитаемые поставщиками поп–музыки или "Новой волны" и вряд ли подходящие для мачо-позы типичного волосатого металлиста.
Такие группы, как Rush и Asia, завоевывали популярность своими треками, наполненными синтезаторами, но они были интеллектуальными аутсайдерами, которые черпали вдохновение из давно бездействующего движения прогрессивного рока.
Van Halen, с другой стороны, были грубыми рокерами, больше топающими, чем помпезными. Учитывая отношение группы к имиджу, неудивительно, что ставший классическим синтезаторный рифф Эдди Ван Халена (Eddie Van Halen) был отвергнут его коллегами по группе, когда он впервые записал его в 1981 году.
Примерно два года спустя он был повторно представлен фронтмену Дэвиду Ли Роту (David Lee Roth) продюсером Тедом Темплманом (Ted Templeman). На этот раз Рот отреагировал положительно, первоначально вдохновленный новостным сообщением о потенциальном прыгуне-самоубийце и поддержкой менее сострадательных зрителей, подстрекающих бедную тему.
Рот мудро передумал, и текст песни стал радостным, ликующим приглашением воспользоваться жизненными возможностями. Это гораздо больше соответствовало оптимистичному подходу Ван Халена и жизнерадостным бэк-трекам.
Jump, возможно, был одним из самых ярких моментов группы до этого момента, но они все еще были рокерами насквозь, и синтезаторный рифф Van Halen должен был быть большим, дерзким и смелым. К счастью, у Эдди был один из самых смелых в его студии – OB-Xa Оберхайма, зверь аналогового полисинта, который мог выдержать шквал группы.
Их риск был вознагражден. Jump возглавил чарты Billboard и сопровождался отмеченным наградами видео.
3 Donna Summer - I Feel Love
Практически невозможно недооценивать влияние "Я чувствую любовь". Выпущенный летом 1977 года, он был оригинальным произведением электронного диско, не похожим ни на что, что было до него. Как известно, одна из сессий Дэвида Боуи (David Bowie) для альбома the Low была прервана запыхавшимся Брайаном Ино (Brian Eno), который, только что услышав I Feel Love, заявил, что это “изменит звучание музыки на ближайшие 15 лет”.
Он не ошибся, но его предположения были немного далеки от истины, поскольку отголоски I Feel Love никогда не затихали, и музыканты сегодня все еще пытаются вернуть магию оригинала.
По иронии судьбы, долговечность песни была чем-то вроде самореализующегося пророчества. Когда продюсеры Джорджио Мородер и Пит Беллотт (Giorgio Moroder and Pete Bellotte) начали работу над пятым альбомом Summer, они задумали концептуальный альбом, в котором каждая песня представляла определенное десятилетие, а окончательный вариант был попыткой создать что-то футуристическое. Они не могли знать, насколько были правы!
Чтобы создать свою прогностическую тарелку, они решили отказаться от типичных инструментов диско–музыки – телеграфных гитар, толстых струнных, электрического баса и рожков - и использовать массивную систему Moog IIIP, принадлежащую классическому музыканту Эберхарду Шенеру (Eberhard Schoener). К счастью, помощник Шенера Робби Ведель (Robby Wedel) сопровождал Moog, чтобы помочь с огромными техническими требованиями системы. Что наиболее важно, он показал продюсерам, как это можно синхронизировать с магнитофонной лентой, чтобы записать несколько треков в идеальном ритмическом lock-step.
Демонстрация Веделя стала откровением, позволив Мородеру и Беллотте создать полную аранжировку, используя только Moog. Басовая последовательность, ловушки, хай-хэты – все это было продуктом модульного синтезатора. В результате получился чистый, открытый микс, который позволил Саммер создать удивительно запоминающееся вокальное исполнение.
2 New Order - Blue Monday
Как большинство из вас наверняка знают, New Order были созданы выжившими участниками Joy Division после того, как фронтмен этой группы Иэн Кертис (Ian Curtis) покончил с собой в 1980 году.
Басист Питер Хук ( Peter Hook), гитарист Бернард Самнер ( Bernard Sumner) и барабанщик Стивен Моррис (Stephen Morris) – вместе с Кертисом – поклялись не использовать название Joy Division в случае ухода кого-либо из этой группы, поэтому оставшееся трио приняло новое прозвище и добавило нового участника, подругу Морриса Джиллиан Гилберт (Morris Gillian Gilbert), на клавишах и второй гитаре. Самнеру были поручены вокальные обязанности на том основании, что он мог с комфортом чередовать пение и игру на гитаре.
Первый сингл группы, Ceremony, был написан в последние дни Joy Division и продолжает пост-панк-стиль этой группы, как и первый альбом группы с недавно написанными песнями. Однако поездка в Нью-Йорк познакомила группу с новой танцевальной музыкой, в том числе с итальянским диско. Электроника и танцевальные элементы стали играть все более заметную роль с каждым последующим релизом.
Сам Blue Monday в буквальном смысле возник на клубной сцене. Лейбл группы открыл ставшую легендарной Haçienda в 1982 году. На премьере New Order сыграли длинный номер, в который вошли элементы, которые позже были переработаны в их самом большом хите.
Записанный в 1982 году, Blue Monday приводился в движение топающим ударным барабаном от драм-машины Oberheim DMX, несинхронизированной линией секвенсоров и хорами (предположительно), сэмплированными с альбома Kraftwerk. Характерный бас Moog Source змеится сквозь разрозненные элементы. Намеренно бледный напев Самнера окутывает все это могильным саваном.
Не то чтобы слушатели обращали внимание на текст песни – они были слишком заняты танцами. Он продавался как сумасшедший, став самым продаваемым 12-дюймовым синглом всех времен.
По иронии судьбы, расходы на изготовление искусной упаковки Питера Сэвилла (Peter Saville) означали, что компания фактически теряла деньги каждый раз, когда продавался экземпляр. Излишне говорить, что "Синий понедельник" в конечном итоге был переиздан с несколько более консервативным дизайном...
1 Vangelis - Blade Runner Main Titles
Сказать, что синтезатор Yamaha CS80 был жизненно важен для успеха "Бегущего по лезвию", может показаться преувеличением. Тем не менее, трудно представить себе инструмент, который стал бы более отождествляться с саундтреком, на котором он использовался. Действительно, мало найдется драматических фильмов, в которые саундтрек был бы так же тщательно встроен и так же важен для настроения, как освещение, сценография или даже диалоги.
К тому времени, когда его пригласили записать "Бегущего по лезвию", греческий музыкант Вангелис (Vangelis) сделал легендарную карьеру. Будучи клавишником рок-группы Aphrodite's Child, он записал классику психоделического арт-рока в виде их альбома 666. Как сольный исполнитель, он создал несколько самых запоминающихся саундтреков к фильмам 1970-х годов и положил начало 1980-м, выиграв "Оскар" за свою работу над "Огненными колесницами".
Со своей навязчивой партитурой к антиутопическому шедевру Ридли Скотта ( Ridley Scott) "Бегущий по лезвию" Вангелис создал звуковой ландшафт, который идеально описал одиночество и отчужденность футуристического городского пейзажа и его обитателей.
Для своей экспансивной и глубоко эмоциональной партитуры Вангелис (буквально) довольно сильно опирался на CS80, экспансивный и глубоко выразительный инструмент.
Несмотря на номинацию на премию BAFTA и "Золотой глобус", оригинальный саундтрек Вангелиса был недоступен в течение многих лет из-за спора, в результате которого Вангелис отложил его выпуск. Фанаты решили отдохнуть от записанных сессионных музыкантов под названием “New American Orchestra”. Когда в 1994 году наконец появилась настоящая сделка, она была неполной, в ней отсутствовали несколько реплик, которые появились в фильме.
Не то чтобы это действительно имело большое значение. К этому моменту тоскующие, воющие тона CS80 Вангелиса неизгладимо запечатлелись в (суб) культурном сознании, и CS80 был неразрывно связан с фильмом. Настолько, что популярное аппаратное развлечение было выпущено под названием “Мечта Декарда”, названное в честь сцены в фильме.
Свежие комментарии